Películas familiares de los 80 que tuvieron problemas

Actualización 23 de junio de 2023: este artículo ha sido actualizado por Valerie Parker con aún más películas con premisas problemáticas de la década de 1980.

Algunos de estos aún pueden ser apreciados por los espectadores que tienen una comprensión de las perspectivas obsoletas o los sesgos inherentes del proyecto. Sin embargo, hay otras películas que sería mejor olvidar por completo. Aquí hay diez películas familiares de la década de 1980 con las premisas más problemáticas.

10 Quién engañó a Roger Rabbit (1988)

Quién mató a Roger Rabbit fue una película de 1988 del director Robert Zemeckis que fue adaptada libremente de la novela de Gary K. Wolf de 1981 ¿Quién censuró a Roger Rabbit? La película mezcló animación con acción en vivo, con estrellas como Bob Hoskins, Alan Tilvern y Stubby Kaye protagonizando junto a varios personajes de dibujos animados. Disney intentó fusionar el atractivo infantil de los “toons” con una historia lo suficientemente entretenida para adultos, pero de alguna manera no dio en el blanco para ambos. La trama sigue a un detective alcohólico y deprimido llamado Eddie Valiant (Hoskins) que es contratado por el director de un estudio de cine para investigar si la esposa de dibujos animados de Roger Rabbit, Jessica, está teniendo una aventura con un director de estudio (humano), Marvin Acme (Kaye). quien luego es asesinado. Luego emprende una búsqueda para demostrar la inocencia de Roger Rabbit.

La película incluye temas para adultos como la violencia, el sexo y las drogas, lo cual estaría bien si no estuviera repleto de personajes populares de dibujos animados para niños y presentado como una película familiar. Disney decidió lanzar el proyecto bajo Touchstone Pictures en lugar de Walt Disney Pictures, centrado en los niños, aunque eso no disuadió su percepción como una película para niños, ya que finalmente fue clasificada PG. Quién mató a Roger Rabbit fue considerada una obra maestra del cine y ganó una gran cantidad de premios, incluidos cuatro premios Oscar a la Mejor Edición de Película, Mejor Edición de Efectos de Sonido, Mejores Efectos Visuales y el Premio al Logro Especial. El proyecto es, sin duda, un excelente ejemplo de artesanía y logra contar una historia divertida y divertida. Solo falla en su atractivo fundamental para audiencias más jóvenes.

9 Jugo de escarabajo (1988)

Jugo de escarabajo es una película clásica y muy querida del problemático director Tim Burton que generó un spin-off animado, una adaptación musical y actualmente tiene una secuela de filmación que se estrenará en 2024. Sin embargo, eso no cambia el hecho de que algunos aspectos de la película son muy problemáticos. La historia de la película es bastante simple. Una pareja compra una casa, una pareja muere y comienza a rondar la casa, una nueva familia se muda y quiere cambiar de casa, y la pareja fantasmal busca ayuda para asustar a la nueva familia. Cola hijinx.

Suena simple, pero el problema viene en forma del propio personaje del título. Mucho de lo que a la gente le encanta de Beetlejuice es exactamente lo que lo hace problemático desde una perspectiva moderna. No se disculpa por quién es, que es un pervertido y un depredador sexual. Cuando Barbara (Geena Davis) y Adam (Alec Baldwin) acuden por primera vez a Beetlejuice en busca de ayuda, inmediatamente ataca a Barbara. Continúa abordando felizmente a todas las mujeres que conoce a lo largo de la película a partir de ese momento, vivas o muertas, lo que culmina en un intento de casarse con Lydia (Winona Ryder), que en ese momento es solo una adolescente. Las propias tendencias suicidas de Lydia se pasan por alto en gran medida, al igual que el hecho de que dos de las mujeres en la tierra de los muertos que siempre pasarán sus vidas en trabajos de baja categoría en la versión muerta del DMV son víctimas de suicidio.

8 Señor mamá (1983)

La comedia Sr. mamá, escrita por el amado director de los años 80 John Hughes, parece alegre a primera vista. Está protagonizada por el actor Michael Keaton, en su primer papel principal, como Jack Butler, que pierde su trabajo de ingeniería durante una recesión y se ve obligado a convertirse en padre amo de casa cuando su esposa Caroline (Teri Garr) decide volver a trabajar. . La racha cómica de la película proviene de Jack luchando por hacer malabarismos con las tareas diarias necesarias para cuidar a sus tres hijos y su hogar, lo que divierte a las otras “amas de casa” del vecindario. Jack comienza a sentirse asfixiado por la vida suburbana y se ve amenazado por el creciente éxito de su esposa. Eventualmente, Jack regresa a la fuerza laboral y Caroline ajusta su horario para poder quedarse en casa con sus hijos dos días a la semana, reforzando la idea de los roles de género tradicionales.

Relacionado: Películas de los 80 que necesitan una continuación en forma de serie

Muchos críticos, incluido el estimado Roger Ebert, sintieron que Sr. mamá fue fácil de ver, pero se basó demasiado en clichés y no alcanzó el nivel que merecían los talentosos protagonistas. Si bien la película parece inofensiva, en realidad perpetúa los estereotipos basados ​​en el género con respecto a la crianza de los hijos y la sociedad en general. La idea de que una esposa debe quedarse en casa para cuidar el hogar y los niños no solo es anticuada y sexista, sino que tampoco es representativa de la plétora de otras dinámicas familiares que existen fuera de una familia nuclear “tradicional”. . La idea de que un hombre debe ser tratado como un campeón por aprender a cuidar a sus hijos en lugar de simplemente ser llamado padre en realidad no es tan divertido cuando lo piensas.

7 El mago (1989)

El mago es un comercial de Nintendo disfrazado como una película no tan fascinante con una trama apenas ensamblada que salta de un elemento problemático al siguiente. Cuenta la historia de Jimmy Woods (Luke Edwards) y su medio hermano Corey (Fred Savage), quienes escapan de su insatisfactoria vida hogareña en Utah y se embarcan en un viaje por carretera a California, por alguna razón desconocida, excepto que Jimmy quiere ir allí. , y Haley (Jenny Lewis), a quienes recogen en el camino. Jimmy ha estado mudo y caminando por la vida en un estado casi catatónico durante los últimos dos años desde que su hermana se ahogó. En retrospectiva, parece claro que Jimmy caería en algún lugar del espectro del autismo, pero en ese momento, solo lo tratan como una carga y una molestia para los adultos en su vida y lo colocan en una institución de algún tipo, lo que lleva a Corey a ayudar en su eventual ruptura.

Durante sus viajes, conocen a Haley, y cuando ella y Corey descubren que Jimmy es un erudito en lo que respecta a los videojuegos que nunca antes había jugado, traman un plan para ingresarlo en un concurso de videojuegos que le dará al ganador $ 50,000. Hacen cola a tres menores haciendo autostop para llegar a California, algo que sería peligroso incluso para un adulto. Luego, la película se burla del ataque del trío cuando los conductores del vehículo en el que se encuentran se dan cuenta de que tienen dinero, con música de banjo sobre una escena de niños perseguidos y arrojados por adultos. Mientras tanto, los adultos responsables de Jimmy y Corey de alguna manera deciden no pedir ayuda a las fuerzas del orden y, en su lugar, contratan a un personaje dudoso tipo Bounty Hunter llamado Putnam (Will Seltzer), a quien se le paga solo si es él quien descubre a los niños. Cuando se encuentra con los niños en Nevada y trata de arrebatárselos, Haley salva el día gritando en voz alta: “Me tocó el pecho”, porque las falsas acusaciones de agresión sexual siempre son una gran distracción e hilarantes, especialmente cuando se trata de un menor. .

Al final, los tres llegan a California y Jimmy gana el campeonato de videojuegos durante una secuencia que presenta las primeras imágenes de Super Mario Bros. 3 que se mostraron en los Estados Unidos meses antes del lanzamiento del juego. Al final, parece que poner a los niños en situaciones peligrosas siempre es una buena idea si se trata de publicidad.

6 Aventuras en el cuidado de niños (1987)

Chris Columbus eventualmente se haría conocido por dirigir varias películas icónicas para niños, incluidas dos Solo en casa películas, dos harry potter películas, y Señora. Doubtfire, entre otros. También es responsable de escribir el guión de la querida película. Los Goonies. Sin embargo, Colón hizo su debut como director con la comedia adolescente de 1987 Aventuras en el cuidado de niños.

La película sigue a una adolescente llamada Chris (Elisabeth Shue) que acepta un trabajo de niñera de una niña de 8 años llamada Sarah (Maia Brewton) una noche en los suburbios de Illinois. Chris termina llevándose a Sarah con ella cuando descubre que su amiga Brenda (Penelope Ann Miller) está varada en el centro de Chicago, y el hermano de Sarah, Brad (Keith Coogan), de 15 años, y su amigo Daryl (Anthony Rapp) la acompañan en la aventura. conducir. Luego, el grupo se encuentra en una serie de situaciones peligrosas a medida que avanza la noche, que incluyen romperse y hacer autostop con un camionero, presenciar un tiroteo, huir de los pandilleros y ser víctimas de un robo de automóvil. Sin embargo, esos eventos se compensan un poco con la emoción de colarse en una fiesta de fraternidad y cantar en el escenario de un club de blues.

Aunque la narrativa es emocionante de ver y mantiene a los espectadores riendo y entretenidos, Aventuras en el cuidado de niños perpetúa la idea de que un centro de la ciudad es un lugar peligroso lleno de delincuentes de los que los niños blancos de los suburbios deben mantenerse alejados. Hay varios personajes de color en la película, y cada uno se presenta como peligroso, o al menos aterrador, a primera vista. Aunque algunos resultan ser aliados en lugar de enemigos del grupo de jóvenes, sigue siendo un estereotipo problemático que se debe reforzar para las audiencias jóvenes. Además, hay varias escenas en la película que no envejecieron bien, incluso muchas veces cuando Daryl se refiere a otros personajes como “homo” de una manera despectiva, un encuentro confuso entre él y una trabajadora sexual adolescente, y mirar hacia abajo la camisa de Brenda. mientras ella duerme, lo cual se ríe.

5 Todos los perros van al cielo (1989)

Todos los perros van al cielo fue solo una de las pocas películas del ex animador de Disney Don Bluth, quien también entregó clásicos como El secreto de Nimh y La tierra antes del tiempo. La película se centra en Charlie (Burt Reynolds), un pastor alemán criminal que es asesinado por su mejor amigo y socio comercial, Carface (Vic Tayback), y termina en el cielo. Cuando se da cuenta de que darle cuerda al reloj que cuenta los minutos de su vida lo enviará de regreso a la tierra de los vivos, Charlie roba el reloj y rápidamente trama un plan de venganza. Encontrará la ayuda de su compañero de confianza Itchy (Dom DeLuise) y una niña que rescatan del sótano del club de Carface.

Esto ya no suena como una película para niños, algo que la mayoría de los padres parecieron sentir en los avances de la película y que condujo a uno de los peores estrenos de taquilla de todos los tiempos. La primera escena de esta película familiar presenta a su héroe escapando de la perrera, completo con fuertes disparos. A partir de ahí, se presenta al público el casino de Charlie, que presentará escenas de apuestas, consumo excesivo de alcohol y policías corruptos. Como la mayoría de las películas animadas de la época, Todos los perros van al cielo era un musical, y el primer número musical de la película presenta referencias problemáticas al país de “Siam”, completo con Itchy haciendo una personificación horriblemente racista de un hombre asiático. Para colmo, el héroe de la película, Charlie, al descubrir a Anne-Marie, una niña con la capacidad de hablar con los animales, ve signos de dólar literales y la secuestra, utilizando su deseo de reunirse con su familia para manipularla. a sus propios fines.

Si bien termina sacrificándose literalmente para salvar al niño, no hay forma de evitar que Charlie no sea el tipo de personaje que esperarías ver en el corazón de lo que se supone que es una película para niños. Toda la premisa se siente como algo que Martin Scorcese dirigiría.

4 Al agua (1987)

El hombre detrás de la versión original de 1987 de Al agua fue Garry Marshall, quien pasaría a dirigir los clásicos de Julia Roberts y Richard Gere Mujer guapa y Novia fugitiva, El diario de la princesa franquicias y películas navideñas Día de San Valentín, Nocheviejay Día de la Madre. Aunque Marshall claramente tiene ojo para lo que hará que una historia romántica sea rentable, no todas sus películas resisten el paso del tiempo.

Al agua es la historia de una rica heredera, interpretada por Goldie Hawn, que se cae de su yate y llega a tierra con amnesia. Kurt Russell interpreta a un trabajador local a quien ella había maltratado anteriormente y luego la convence de que en realidad es su esposa. Luego la obliga a asumir el papel de cuidar de su repugnante hogar y de sus cuatro hijos revoltosos. Inevitablemente surgen travesuras y, por supuesto, florece el amor. Al agua fue popular entre los fanáticos de las comedias locas y los dos protagonistas y tuvo tanto éxito que generó nuevas versiones en India, Corea del Sur, Suiza y Rusia. En 2018 se lanzó una nueva versión estadounidense protagonizada por Anna Faris y Eugenio Derbez, aunque sus roles se invirtieron.

Por delicioso que pueda ser el resultado, la premisa de la historia sigue siendo problemática. En última instancia, la película se centra en el secuestro, el robo de identidad, la extorsión y la manipulación psicológica, que está empaquetada para parecer dulce y romántica. También refuerza los estereotipos financieros y de género. Al agua hace un gran trabajo al poner a la rica socialité “de vuelta a donde pertenece”, renunciando a su vida de riqueza y comodidad para ser madre. A su vez, el hombre no soporta las consecuencias de sus acciones y, de hecho, es recompensado al poder compartir la riqueza de la mujer al final. Aunque el remake da la vuelta a esos estereotipos al cambiar el género de los protagonistas, aún cruza muchos de los mismos límites que el original.

3 Cortocircuito (1986)

Cortocircuito cuenta la historia de un experimento militar que sale mal cuando un arma robótica altamente clasificada es golpeada por un rayo y se vuelve rebelde. Mientras esquiva a los oficiales militares que intentan encontrarlo desesperadamente, Número 5 (con la voz de Tim Blaney) se topa con una amable mujer que lo acoge como si fuera un vagabundo. Cuando descubre quién es él, intenta devolverlo al ejército, solo para descubrir que tienen la intención de desmantelarlo. Luego se acerca a su creador con la esperanza de poder convencerlo de que el Número 5 no solo está funcionando mal, sino que ha evolucionado más allá de su programación y ahora está vivo.

La película eligió a Ally Sheedy (como Stephanie Speck) tras su éxito en El club del desayunoy Steve Guttenberg (como el ingeniero que diseñó el Número 5, Newton Crosby) recién salido de su éxito en Academia de policía como los protagonistas de la película. Sin embargo, es el tercer miembro principal del reparto, que pasó a liderar la muy criticada secuela, el aspecto más problemático de la película. Fisher Stevens es un hombre blanco que se pone la cara morena y un acento indio terriblemente estereotipado para interpretar a Ben Jabituya, el ingeniero asistente de Crosby.

Originalmente emitido cuando el personaje era blanco cuando los escritores se le acercaron y le preguntaron si podía interpretar al personaje como indio, Stevens no dudó en aceptar. Si bien es loable que Stevens haya trabajado con un entrenador de dialectos e incluso haya vivido en la India durante un mes antes de que comenzara la filmación, no se puede negar que se debería haber contactado a un actor indio para que interpretara al personaje, algo con lo que Stevens ahora está totalmente de acuerdo. El personaje de Jabituya como hombre indio parece casi incidental en la trama, excepto por el hecho de que constantemente se escribe como una mala broma racista. Cuando se le pregunta de dónde viene, Jabituya felizmente explica que es de los Estados Unidos sin ninguna explicación de por qué entonces tendría acento indio. Al personaje también se le da una visión horriblemente estereotipada de que las películas a menudo dan muchas nacionalidades diferentes al ver a las mujeres como objetos sexuales.

2 El juguete (1982)

Richard Donner es un talentoso director responsable de películas como 1978 Superhombre, las golosinas, Scroogedy el Arma letal serie. Sin embargo, a pesar de su éxito en la industria, Donner cometió un serio paso en falso en 1982 con la película El juguete. El proyecto fue protagonizado por Richard Pryor como un hombre negro llamado Jack Brown, cuya desesperación por un trabajo lo lleva a aceptar un puesto como custodio de un rico hombre de negocios, Ulysses “US” Bates (Jackie Gleason). Cuando su deslucido desempeño laboral hace que Jack se dirija hacia el desempleo, el hijo mimado de su jefe, Eric Bates (Scott Schwartz), decide que quiere al hombre para él solo. Jack es contratado para ser un “amigo” del niño, pero a menudo se le llama “juguete”, lo que se vuelve más degradante cuando Eric se llama a sí mismo “Maestro”.

Relacionado: Las mejores películas sobre la mayoría de edad de los años 80

La premisa de la película es escandalosamente problemático con sus flagrantes ejemplos de racismo y referencias a la esclavitud. Obviamente, el proyecto estaba tratando de hacer una declaración política al referirse al hombre blanco rico como “EE. UU.” y hacer que Jack finalmente le enseñara a Eric cómo se debe tratar a un verdadero amigo. Sin mencionar un extraño punto de la trama que involucra a un Gran Mago KKK que es arrestado durante una pelea de comida. Independientemente de las intenciones de Donner, el humor de El juguete viene a expensas de la torpeza de Jack como sirviente y su representación como un objeto comprado para el entretenimiento de otros y controlado por quienes lo poseen. El mensaje de la película perpetúa los estereotipos racistas al alentar a la audiencia a ver los ejemplos de intolerancia del personaje como pasos en falso alegres de personas individuales en lugar de reconocer la discriminación sistémica en el corazón de la historia.

1 Grande (1988)

La comedia Grande es una de las películas que llevó al ícono de Hollywood Tom Hanks de la comedia televisiva de travestismo Bosom Buddies a la gran pantalla y lo condujo por el camino que lo vería conocido como el Jimmy Stewart de su generación. Dirigida por la difunta gran Penny Marshall, Grande cuenta la historia de Josh Baskin (Hanks), un niño de 13 años que usa una máquina Zoltar en un carnaval para cumplir su deseo; para hacerlo Grande. Josh de repente se encuentra en el cuerpo de un hombre de 30 años, y cuando su madre, comprensiblemente alarmada, casi lo apuñala, termina en la Gran Manzana, tratando de descubrir cómo abrirse camino en el mundo sin dinero o un lugar para vivir. Después de pasar una noche realmente angustiosa solo en un edificio abandonado con disparos que resuenan en la distancia y el pobre niño atrapado en el cuerpo de un hombre, claramente temiendo por su vida, Josh de alguna manera encuentra un trabajo bien remunerado en una compañía de juguetes. Utiliza su primer cheque de pago para comprarse un apartamento gigante en Manhattan y lo decora con todo lo que querría un niño de 13 años, incluido un trampolín de tamaño completo.

Como la película es una comedia, todo lo que le sucede a Josh y a las personas que lo rodean se juega para reír, pero la película trata algunos problemas serios con un guiño y un empujón, como si reírse de ellos hiciera que esas cosas estuvieran bien. A lo largo de la película, se muestra a la madre devastada de Josh preocupada por el niño que cree que ha sido secuestrado. Incluso hay una escena en la que Josh llama a su mamá, fingiendo ser su propio secuestrador, asegurándole que está bien y que regresará pronto. Cómo se supone que Josh volverá a su vida real cuando regrese al cuerpo de su hijo después de que el FBI lo haya estado buscando durante más de un mes. Aunque se pasa por alto en gran medida, se muestra que el mejor amigo de Josh, Billy, proviene de un hogar con problemas. Uno que aparentemente ni siquiera cuestiona el hecho de que sigue desapareciendo en Manhattan después de la escuela todos los días.

Por supuesto, los aspectos más problemáticos de la película se encuentran en gran medida en el ambiente de trabajo hostil que Josh se encuentra en la empresa de juguetes. En su primer día en este trabajo, Josh conoce a su compañero de trabajo Scotty Brennen (Josh Lovitz), quien lo saluda señalando a algunas de sus contrapartes femeninas y le dice a Josh: “Salúdala y es tuya. sus piernas a tu alrededor tan apretadas que estarás rogando por clemencia”. Aunque toda la película parece saltar de un aspecto problemático al siguiente, es la relación que Josh termina teniendo con Susan (Elizabeth Perkins) la que se lleva la palma. Incluso si la cuestión de si la pareja termina durmiendo juntos o no se deja en manos de la audiencia, no hay duda de que Susan, de 28 años, besa y permite que Josh, de 13 años, acaricie sus pechos. . Aunque la película termina con Susan despidiéndose felizmente de la forma infantil de Josh, nunca aborda cómo una mujer adulta podría quedar traumatizada después de darse cuenta de que el hombre del que se enamoró era en realidad un niño de 13 años atrapado en el cuerpo de un hombre, y ella acaba de cometer estupro.

Esperamos que hayas disfrutado nuestro artículo Películas familiares de los 80 que tuvieron problemas
y todo lo relacionado con todo lo relacionado al cine y a las series y al mundos de las peliculas.

Cosas interesantes para saber el significado: serie

También dejamos aquí temas relacionados con: series