Las mejores películas de Martin Scorsese, clasificadas
Un hombre que se suponía que era un sacerdote, Martin Scorsese en cambio, se ha convertido en un nombre sinónimo de cine. Su trabajo es conocido por su energía frenética, narraciones profundamente apasionadas y personajes llenos de culpa. Scorsese crea formas distintas de contar historias con una perspectiva profundamente arraigada y en deuda con la historia del cine.
No sólo hace gran película tras gran película, sino que también tiende al cine olvidado. El Proyecto de Cine Mundial de Scorsese supervisa el relanzamiento y la restauración de películas de todo el mundo que han tenido poca exposición, buscando preservar lo que se había perdido anteriormente. De hecho, así como Scorsese es un gran director, también es, en general, una de las personas más trabajadoras de la industria actual, y produce importantes documentales y películas independientes mientras mantiene intacta la integridad de la industria cinematográfica. Incluso ahora, en las últimas etapas de su carrera, Scorsese continúa subiendo el listón y haciendo que el trabajo sea relevante para su obra. Aquí están sus mejores películas, clasificadas.
Actualizado en mayo de 2023: si eres fanático de Martin Scorsese, estás de suerte. Este artículo ha sido actualizado con contenido adicional y entradas de Danilo Raúl.
20 Calles malas (1973)
El tercer largometraje de Martin fue Calles malas, estrenada en 1973. Esta película daría comienzo a su larga colaboración y amistad con Robert De Niro. También es la película que marcó la pauta para la mayoría de sus películas como historias que carecen de trama intrínseca. La película está ambientada en la Pequeña Italia de la ciudad de Nueva York y sigue a un capullo de poca monta llamado Charlie (Harvey Keitel) mientras se las arregla con la vida cotidiana.
Calles malas generalmente se clasifica como una de las películas de la mafia de Martin, pero está lejos de serlo. Nunca se indica el rango de Charlie en el inframundo. Lo vemos interactuar con mafiosos con un rango definido dentro de una familia. Aún así, generalmente se le ve haciendo recados y salvando a Johnny Boy (Robert De Niro) de meterse en problemas. Su amistad es el elemento que impulsa la mayor parte de la película hasta que Johnny Boy se descarrila y aparentemente muere en el clímax de la película.
19 La isla del obturador (2010)
Martin Scorsese es un narrador consumado, capaz de usar diferentes sombreros en muchos géneros. isla del obturador es uno de sus mejores esfuerzos y una película que flexiona sus músculos creativos fuera de su zona de confort. La historia comienza con el mariscal Teddy Daniels y su socio Chuck Aule investigando la desaparición de un paciente en el Hospital Ashecliffe, ubicado en Shutter Island. El elenco incluye a Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo y Ben Kingsley.
El thriller psicológico envuelve a cada personaje con múltiples capas de misterio, ya que nos hacen creer que algo anda muy mal en la isla. Exploraciones posteriores nos llevan al interior de la mente de Teddy y nos damos cuenta de que no todo en la isla es lo que parece. Es una historia intrincada que fue bien recibida por el público, que recompensó al director con una recaudación bruta de $300 millones en taquilla con un presupuesto de $80 millones.
18 Silencio (2016)
Este drama magistral le permite a Martin explorar las luchas de su fe católica en un escenario histórico. Protagonizada por Liam Neeson, Andrew Garfield y Adam Driver, Silencio cuenta la historia de dos sacerdotes jesuitas portugueses que deben embarcarse en una peligrosa misión a Japón en el siglo XVII. Sebastião Rodrigues y Francisco Garupe reciben la orden de rastrear y encontrar a Cristóvão Ferreira, perdido en la isla y obligado a renunciar a su fe.
Como ambos monjes son discípulos del sacerdote, asumen la misión al mismo tiempo que aceptan la tarea de difundir el cristianismo en la apartada nación. Basado en hechos históricos, el sólido guión se toma pocas libertades para contar lo difícil (y eventualmente imposible) que fue para la fe cristiana encontrar su punto de apoyo en la tierra del sol naciente. Silence es un reloj duro y probablemente una de las películas más desafiantes del director.
17 El color del dinero (1986)
Mucha gente dice que Martin aceptó hacer El color del dinero después de la actuación decepcionante de Fuera de horas, su oferta anterior en 1985. No podemos confirmar esta información. Sin embargo, este drama de 1986 ofrece algo muy diferente en el mundo de las películas deportivas.
La historia sigue al exjugador de billar Eddie Felson, quien reconoce el talento de un joven llamado Vincent Lauria y decide tomarlo bajo su protección para aumentar sus habilidades en el juego y ayudarlo a ganar algo de dinero. El elenco estelar incluye a Paul Newman y Tom Cruise. A primera vista, la historia puede no parecer gran cosa, pero Martin extrajo lo mejor de cada actor para contar una historia convincente, suficiente para que Paul Newman ganara su único Premio de la Academia al mejor actor.
La historia toca múltiples temas, como el valor de la tutoría, la fuerza derivada de la competitividad y la búsqueda de la redención. También estudia la importancia de reconocer las fallas personales y colocar correctivos oportunos para tener éxito de manera justa y honesta. También obtenemos una gran perspectiva del mundo del juego de billar competitivo, un deporte que Hollywood ignora en gran medida la mayor parte del tiempo.
dieciséis Hugo (2011)
La primera incursión de Martin en el mundo de CGI y 3D tenía que ser una historia más grande que la vida. Hugo lo logra en todos los sentidos. Protagonizada por Asa Butterfield, Sacha Baron Cohen y Chloë Grace Moretz, la película es una adaptación del libro de Brian Selznick de 2007. La invención de Hugo Cabret. La historia de la vida cotidiana está estrechamente ligada al amor de Scorsese por el cine. Comienza con un niño huérfano que vive en una estación de tren, tratando de desentrañar el misterio de arreglar un autómata capaz de escribir con un lápiz.
Después de que Hugo e Isabella logran activar el autómata, descubren que el dibujo realizado por la máquina pertenecía a una escena de una película realizada en 1902 llamada Un viaje a la luna. La película fue realizada por el padrino de Isabelle, Georges Méliès. Ambos niños hacen todo lo posible para localizar a Méliès, quien finalmente logra reconciliarse con su pasado y abrazar sus queridas creaciones. Esta película marcaría un giro inusual para el director, dado el tono familiar de la película.
15 La última tentación de Cristo (1988)
Esta es probablemente la película más controvertida jamás realizada por Martin, ya que contó la historia de Jesús más allá de los límites explorados por la tradición cristiana. Si Internet hubiera existido en 1988, La última tentación de Cristo Habría sido la primera película en romperlo. La película en sí es una adaptación de una novela de Nikos Kazantzakis. Willem Dafoe es Jesús en esta película; la historia explora las luchas de Jesús con su humanidad y divinidad.
La película explora a fondo la conciencia de Jesús durante la crucifixión. En una fracción de segundo, se nos ofrece una idea de la mente del salvador que debe elegir salvarse a sí mismo y vivir la vida de un hombre, conocer el amor, soportar el dolor, envejecer y morir. Su otra opción es abrazar su misión, morir por nuestros pecados y alcanzar la divinidad al lado de su padre. La película provocó la indignación internacional y una avalancha de amenazas de muerte contra el director.
14 El aviador (2004)
Una oda apasionante y épica a los días del viejo Hollywood y una mirada desgarradora a una mente frágil y genial. El aviador es Scorsese en toda su gloria cinéfila. Leonardo DiCaprio toma las riendas como el genial director Howard Hughes que decidió que quería volar. Claramente, su ambición y confianza lo pusieron en medio de una extraordinaria cantidad de poder, pero la película muestra cómo su psique lentamente se convirtió en locura. Nominada a 11 premios Oscar y ganadora de un total de cinco, El aviador sigue siendo una de las mayores celebraciones cinematográficas de Scorsese y el Sueño Americano.
13 La edad de la inocencia (1993)
Una película llena de decadencia, Scorsese proporcionó otra mirada perspicaz y entretenida a Nueva York en La edad de la inocencia, pero esta vez, a través de una lente diferente a la mayoría de sus películas anteriores. La historia se centró en la vida de la alta sociedad en la década de 1870 y cómo el poder conduce a la seducción. En su primera colaboración con Daniel Day-Lewis, Scorsese combina a la perfección al actor en una obra de época épica en la que lucha contra los deseos de su familia de que se case. Entabla una aventura con May Welland, interpretada por una increíble Winona Ryder, y la película se convierte en un profundo estudio sobre la represión, la sociedad y la sensualidad.
El increíble diseño de vestuario ganó un Oscar y Ryder fue nominado, y Scorsese se desempeñó como coguionista en un guión que es una adaptación increíblemente fiel de la novela del mismo nombre de Edith Wharton, sin dejar de ser una obra totalmente intocable del autor.
12 Después de horas (1985)
La década de 1980 fue un período inusual y emocionante para Martin Scorsese. Hizo una película religiosa extremadamente controvertida, dirigió un video musical de 18 minutos de Michael Jackson, filmó su primera nueva versión (una de solo dos) y su primera película convencional, y experimentó con dos comedias completamente negras. El rey de la comedia y Fuera de horas. Esta última sigue siendo una película de la que la mayoría de la gente se ha olvidado, lo cual es una verdadera lástima porque es una obra maestra salvaje y surrealista de paranoia y ansiedad. Griffin Dunne interpreta a un hombre que pasa la peor noche de su vida mientras pasa de ser un oficinista aburrido a ser perseguido por una turba enfurecida en las calles. Es la película más divertida de Scorsese.
11 El rey de la comedia (1982)
La película mencionada El rey de la comedia es de una calaña similar a Conductor de taxi, en el sentido de que es otra historia de autoengaño masivo con Robert De Niro en el centro de atención, excepto que esta película se inclina hacia la comedia y la sátira oscura. De un momento a otro que provoca escalofríos, De Niro interpreta al comediante “Rupert Pupkin”, que está desesperado por tener una oportunidad mientras acecha al legendario Jerry Lewis, interpretando a un presentador de un programa de entrevistas nocturno. La película más tarde inspiraría a Todd Phillips bufón, que invierte los papeles y pone a De Niro en el papel de presentador de un programa de entrevistas y a Joaquin Phoenix como el delirante aspirante a comediante. Scorsese ha dicho que cree que esta película tiene la mejor actuación de Robert De Niro en cualquiera de sus películas, y sigue siendo una sátira oscuramente profética y relevante de la fama y los medios.
10 El cabo del miedo (1991)
El segundo y último remake de Scorsese, la película de terror límite El cabo del miedo sigue la historia de un violador condenado recientemente liberado mientras acecha a la familia del abogado que lo defendió en la corte. Robert De Niro es absolutamente despreciable como el Max Cady tatuado y con acento sureño, recibiendo una nominación al Oscar al Mejor Actor en el proceso. Nick Nolte interpreta al exabogado de Cady, y tanto Jessica Lange como Juliette Lewis son fantásticas en sus papeles como la familia del abogado. En un guiño genial al amor de Scorsese por el cine, El cabo del miedo también presenta a las estrellas de la película original de 1962, el legendario Gregory Peck, Robert Mitchum y Martin Balsam.
Para ayudarse a sí mismo a meterse en el papel, De Niro solía investigar casos de depredadores sexuales y solía llamar a la casa de Scorsese y dejar extraños mensajes de voz con su acento de Max Cady, lo que comprensiblemente inquietaba al director. El cabo del miedo Originalmente se suponía que iría de una manera completamente diferente, ya que Steven Spielberg estaba listo para dirigir y elegir a Bill Murray como Max Cady, pero el aclamado director se hizo a un lado y sugirió a Martin Scorsese para el trabajo.
9 Pandillas de Nueva York (2002)
En una parte distinta y anómala, pero sin embargo extremadamente efectiva, de la filmografía de Scorsese, Bandas de Nueva York es una pieza del período de venganza que detalla las bandas que luchan en la ciudad en la década de 1860, cuando Amsterdam Vallon (Leonardo DiCaprio) busca a Bill “The Butcher” Cutting (Daniel Day-Lewis) por asesinar a su padre. La película celebra la ascendencia italiana de Scorsese y fue filmada íntegramente en Cinecittà Studios en Roma.
Day-Lewis ofrece una actuación absolutamente fenomenal en uno de los papeles más aterradores y brutales de su carrera, algo que pareció prepararlo para posiblemente su mejor actuación en Habrá sangre. El elenco de apoyo también fue increíble, con Cameron Diaz, John C. Reilly, Henry Thomas, Liam Neeson y Brendan Gleeson. Sin embargo, el aspecto más importante del reparto es la colaboración de Leonardo DiCaprio con Scorsese, la primera en ese momento y la que daría lugar a seis películas hasta el momento. Todos los decorados y diseños de vestuario fueron de primera categoría, y Bandas de Nueva York fue nominada a diez premios Oscar, lamentablemente no ganó ni uno solo.
8 Los difuntos (2006)
La primera incursión de Scorsese en las profundidades del mundo criminal irlandés y dando un paso atrás de sus raíces italianas, Los difuntos es una epopeya criminal de la vieja escuela protagonizada por algunos de los nombres más importantes de Hollywood. Enredada en una red de mentiras, la película de Scorsese canaliza perfectamente el funcionamiento interno de Billy Costigan, interpretado por DiCaprio, mientras se enfrenta cara a cara con el jefe del crimen Frank Costello. Costello fue interpretado con un máximo absoluto de sordidez por el ícono Jack Nicholson (quien, sorprendentemente, solo ha trabajado con Scorsese esta vez).Los difuntos continuaría para ganarle a Scorsese sus primeros premios Oscar a Mejor Director y Mejor Película a pesar de su determinación y crueldad.
7 El irlandés (2019)
Después de que lo vendieran del sistema de estudios porque no quería correr el riesgo financiero, Scorsese tomó su visión de el irlandés a Netflix. Protagonizada por el otro colaborador de Scorsese, Robert De Niro, junto con su amigo Al Pacino como Jimmy Hoffa, y sacando a Joe Pesci de su retiro para su primer largometraje en casi diez años, todas las piezas estaban ahí para otra gran película.
Si bien poner su buen ojo en el funcionamiento interno del mundo de los gánsteres no es un territorio nuevo para Scorsese, lo que encontró fue mucho más reflexivo, frío y lleno de temor, lo que lo convirtió en otro giro memorable en el género que él conoce tan bien. Si bien los efectos de envejecimiento fueron controvertidos, la épica película de tres horas usó sus efectos especiales para brindar una narrativa fenomenal. el irlandés fue nominado para la asombrosa cantidad de diez premios Oscar, pero desafortunadamente no ganó ninguno (continuando con los extraños desaires de los Oscar hacia las películas de Scorsese).
6 Casino (1995)
La secuela espiritual de buenos muchachos, Casino es esencialmente un comentario sobre el capitalismo enloquecido en la ciudad del pecado, pero filmado con el ojo de un hombre que puede estilizar la violencia y la decadencia mejor que la mayoría. Una vez más, Scorsese presenta a Robert De Niro con Joe Pesci, pero los rodea con un elenco increíble que incluye a Sharon Stone y al gran Don Rickles en un giro sorprendente.
Casino es una espiral constante de una película, un giro de puñaladas por la espalda que amenaza la forma en que opera la mafia. La película salta de tomas de poder y negociaciones brutales que involucran un agarre de vicio, y Scorsese se suelta para crear otra historia increíble de violencia de la mafia, basada en hechos reales en Las Vegas de la década de 1970. Sharon Stone también recibió su única nominación al Oscar a la Mejor Actriz.
5 Sacando a los muertos (1999)
Posiblemente la película más subestimada de Scorsese, la impresionante Trayendo a los muertos podría ser la película más estilísticamente rimbombante y estéticamente salvaje de Scorsese. La comedia dramática extremadamente oscura está protagonizada por Nicolas Cage como un paramédico inquietante emparejado con una variedad de conductores de ambulancia maníacos (incluido un gran John Goodman) mientras recorren las calles de Nueva York para tratar de salvar vidas y generalmente fallan.
Con una banda sonora maravillosa llena de gotas épicas de agujas, la película es un viaje drogado al corazón del sufrimiento y la locura, que contiene una fascinante actuación de Cage en lo que él nombró como una de sus tres mejores películas.
4 Toro salvaje (1980)
Scorsese no es ajeno a centrar sus películas en hombres explosivamente violentos y moralmente dudosos, pero ninguno obtuvo el mismo detalle cinematográfico que su película biográfica sobre el boxeador Jake LaMotta en Toro furioso. Usar los principales combates de boxeo para detallar la estructura psicológica y la evolución del famoso campeón de peso mediano fue un golpe de genialidad de Scorsese.
Cada pelea fue contada de manera diferente, desde el uso de humo y excesos hasta el uso de tiros con zoom para deformar el ring y mostrar el punto de ebullición de Lamotta, Scorsese canalizó su dominio técnico para contar una historia de rabia y violencia de una manera que solo él podía hacerlo. Toro furioso fue nominado a ocho premios Oscar y de hecho se llevó a casa dos, a Mejor Edición y a Mejor Actor para Robert De Niro.
3 El lobo de Wall Street (2013)
Cuando Scorsese decidió enfrentarse a las personas más corruptas, el director pensó que la única forma de hacerlo sería una farsa. Haciendo equipo nuevamente con su musa superestrella, Scorsese rodeó a Leonardo DiCaprio en El lobo de Wall Street con un conjunto que podría igualar su gran energía con la comedia de improvisación. No había mejores opciones para los papeles secundarios que Jonah Hill, Margot Robbie y Matthew McConaughey.
La unión de DiCaprio y Hill como los dos estafadores que estafaron a millones de estadounidenses mientras subían a la cima de la escalera de Wall Street fue despreciable pero increíblemente observable. Scorsese siempre sabe cómo apoyarse en lo atractivo y divertido que es el estilo de vida de un gángster, pero siempre le recuerda a su audiencia que los malos nunca llegan a la cima. Muy parecido el irlandés, El lobo de Wall Street fue nominado para una gran cantidad de premios Oscar, pero nuevamente no se llevó a casa nada de oro.
2 Taxista (1976)
Sólo un cineasta no reacio a la polémica podría concebir una película como ésta. Junto con el experto en escritura de guiones Paul Schrader (quien también escribió la película de Scorsese Toro furioso y La última tentación de Cristo), Conductor de taxi es una obra maestra de violencia artística. Robert De Niro interpreta a Travis Bickle, hirviendo de locura y una psique que evoluciona lentamente mientras busca un propósito en las calles sucias que solo Scorsese podría capturar (Nueva York de los años 70).
Este infame antihéroe de la película es el veterano de Vietnam que pierde la cabeza durante las noches solitarias de conducción de taxis. Scorsese nunca ha hecho una película como esta, y su clímax aterradoramente violento aún se mantiene más de cuatro décadas después.
1 Buenos muchachos (1990)
Si El Padrino nos mostró la política de dirigir una familia mafiosa, luego buenos muchachos nos mostró lo que hacen el resto de los chicos. Una película divertida, seductora y de alto octanaje donde la violencia puede surgir en cualquier momento, buenos muchachos es una obra maestra que muestra cuán embriagador puede ser el peligro (en este caso, lo alto de estar en la mafia). Con momento memorable tras momento memorable y lecturas de líneas icónicas en cada esquina, Joe Pesci se las arregla para robar el espectáculo y continuaría ganando el Oscar por su papel como el altamente volátil pero hilarante “Tommy DeVito”.
buenos muchachos está constantemente en la mayoría de las listas de las mejores películas jamás realizadas porque encuentra a Scorsese disparando a toda máquina; él llena el cuadro con energía eléctrica y utiliza el montaje mejor que cualquier otro director. Si bien el travelling de apertura con narración en off y el “montaje del asesinato de Layla” son algunos de los mejores, no hay una escena en buenos muchachos vale la pena saltarse
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