Entrevista: Diseñador de producción Aaron Haye
Nerds and Beyond recientemente tuvo el placer de conversar con Aaron Haye (Bohemian Rhapsody) para hablar sobre su trabajo como diseñador de producción en la miniserie de CBS All Access que adapta la epopeya postapocalíptica de Stephen King El soporte. Hablamos sobre el proceso de colaboración, cómo es adaptar una pieza de ficción tan icónica, especialmente cuando se deben hacer grandes cambios, y la diversión de plantar huevos de pascua de King Universe. Advertencia: la entrevista contiene spoilers leves.
(La entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad).
Nerds and Beyond: ¿Qué tipo de investigación hiciste para prepararte para esta serie? ¿Leiste el libro? ¿O entraste fresco? ¿Cómo fue tu proceso?
Aarón Haye: Definitivamente leí el libro. Y la novela gráfica también fue muy inspiradora; es realmente espantoso y un poco incómodo, pero hay algunas imágenes geniales que los showrunners estaban realmente interesados en encontrar una manera de lograr. Así que profundizamos en términos de investigación para encontrar un sabor para el espectáculo. Tratando de encontrar un camino porque gran parte de la historia, como saben, es caminar o conducir, básicamente este cuaderno de viaje. Así que estábamos tratando de encontrar una manera de contar la historia de estas personas solitarias en este espacio abandonado. Así que encontré algunas fotografías que fueron realmente inspiradoras, arte, pinturas y ese tipo de cosas que encuentran su camino en la exposición. Y luego, en cuanto a las cosas más grandes y ridículas como Las Vegas, ya sabes, es solo encontrar las imágenes más exageradas que pudimos, como inspiración.
Nerds and Beyond: ¿Hubo algún momento específico del libro o la novela gráfica en el que dijeras: “Tengo que hacer esta escena” o que dijeras: “Hagamos algo totalmente diferente?”
Aarón Haye: Bueno, un buen ejemplo, en realidad, es la fuga de Larry de Nueva York, ¿verdad? En el libro sale por el Lincoln Tunnel. Y es una escena realmente icónica, y es realmente brutal. Y están todos estos cadáveres, ratas y autos. Y puedes ver los resultados de los disparos de ametralladora y todas estas cosas horribles que sucedieron cuando la gente trató de huir. Pero crear algo así, desde el principio, sabíamos que iba a ser difícil. Y en nuestras primeras pasadas, planeando, presupuestando y programando el proyecto, planeamos construir un set gigante. Pero eso iba a ser demasiado. Era demasiado engorroso para tratar con la cantidad de tiempo que teníamos. Y buscamos locaciones, buscamos escenarios que fueran lo suficientemente grandes, pero no había nada lo suficientemente grande para construir lo que queríamos.
Así que optamos por crear una forma diferente de contar la misma historia, pero en diferentes contextos. Así que transponemos toda la secuencia a los túneles de alcantarillado, que fue lo que hicimos en el Episodio 2, cuando Larry y Rita tienen que escapar del tipo de humanidad merodeadora que los persigue. Y creo que jugó con las mismas emociones, la idea de la claustrofobia, la idea de cuando ve a su madre en esta especie de estupor inducido por Flagg y drogado en el fondo de la alcantarilla. Realmente queríamos que estuviera justo al nivel del agua, con el agua subiendo y que tuviera este tipo de momento de pánico, y creo que funciona bastante bien.
Nerds and Beyond: ¿Cómo es tu proceso normal cuando te acercas a un programa o una película?
Aarón Haye: Quiero decir, diste en el clavo con la primera pregunta. Es decir, lo primero que haces es investigar, ¿no? Como toneladas de investigación, y tengo una investigadora fantástica con la que trabajo llamada Alison Klein, y ella realmente ayuda a construir imágenes que ayudan a inspirar la historia. Y se los mostramos al showrunner, y se los mostramos a los directores, y luego los usamos para construir nuestras ideas para la historia. Y luego creamos tableros, tableros grandes: básicamente tomamos un núcleo de espuma negra y pegamos imágenes que son inspiradoras, y luego comenzamos a crear arte. Para agregar a eso, eventualmente, tenemos una habitación llena de arte, o en este caso, eran pasillos llenos de arte e imágenes inspiradoras. Y esos se quedan despiertos.
Para cada bloque de filmación de cada director, tendríamos un nuevo pasillo, básicamente lleno de inspiración y un arte al que responder. Realmente trabajamos mano a mano con el diseñador de vestuario y con los efectos visuales, para tratar de contar esta gran historia y con todos estos medios diferentes.
Nerds and Beyond: Esa es una gran transición para mi siguiente pregunta. ¿Cómo fue el proceso de colaboración con los diferentes directores y los showrunners?
Aarón Haye: Fue realmente genial, como una especie de escenario mano a mano. Nos dan ideas, escriben estas escenas y luego les devolvemos las ideas. Y a veces esas ideas informan más la escritura. Y a veces su escritura es refinada y tenemos que cambiar nuestros diseños. Pero trabajamos muy bien juntos. Fue muy divertido. Y hasta el final, fue solo un proceso muy colaborativo, uno que disfruté mucho.
Y luego teníamos estos cinco bloques diferentes. Y así, en un momento, tuvimos, creo que estaba atendiendo a seis, siete directores a la vez, porque estábamos en el bloque dos, filmando la secuencia de Nueva York, que era enorme, cerrando grandes calles y edificios, ya sabes, todo esas cosas maravillosas. Y luego estábamos haciendo un par de días adicionales de fotografía en el episodio 1. Teníamos a los directores de los episodios 3 y 4 allí. Y el director de los episodios 5 y 6 llegó esa misma semana. Y estábamos haciendo una unidad de efectos visuales al mismo tiempo.
Así que fue una de esas cosas en las que estoy tratando de administrar escenarios, buscar locaciones y prepararme para las tomas nocturnas al mismo tiempo. Fue loco. Pero muy divertido. Y fue realmente interesante trabajar con tantos directores diferentes. En cierto modo, es una ventaja maravillosa que haya, ya sabes, los showrunners, el supervisor de efectos visuales, yo, el diseñador de vestuario, todos los que están allí durante todo el proceso, porque ayudamos a esos directores, ya sabes, asegúrese de que su narrativa coincida con la intención original. Y por eso es bueno ser eso a través de la línea a través del proceso.
Nerds and Beyond: Eso es genial. De hecho, tenía mucha curiosidad acerca de cómo trabajaron juntos para desarrollar el aspecto de New Vegas, porque es una interpretación muy diferente del libro.
Aarón Haye: Sí. El plan original era hacer algo muy parecido a lo que estaba en el libro, que era todo al aire libre, esencialmente, justo en frente del MGM Grand, con un gran escenario preparado para la interacción de Flagg con su público. Y por muchas razones, sentimos que eso podría funcionar muy bien, pero luego nos dimos cuenta de que sería una gran ventaja poder reunir todas estas escenas diferentes en un lugar que es esencialmente encubierto, para que podamos dispare llueva o truene, de día o de noche. Y por eso optamos por crear un espacio masivo en lugar de un montón de cosas diferentes y dispares. Y luego decidimos volvernos locos con eso. Fuimos y exploramos Las Vegas varias veces y nos dimos cuenta de que, básicamente, eliges un tema y puedes hacer lo que quieras. Eso es lo que hacen estos casinos. Toman una idea y tratan de vender todo el espacio visualmente: cuentan una narrativa dentro de su espacio, ya sea el Bellagio o el Caesars Palace, o lo que sea, cada uno de ellos tiene una historia que contar. Así que queríamos contar una historia.
Esencialmente el nuestro era el Infierno de Dante. Nos encantó la idea de estos diferentes niveles para el casino y el hotel, comenzando con Flagg en la parte superior y terminando con esclavos en la parte inferior. Y, ya sabes, resultó que los showrunners optaron por llamar al casino “Inferno” al final, que no era como se llamaba originalmente. Así que fue algo divertido, que reflejaba lo que hicimos temáticamente en su nombre. Pero sí, realmente intentamos asegurarnos de que la arquitectura y el diseño de interiores reflejaran este tipo de estratos de la sociedad. Y con Flagg encima, y esta loca cantidad de libertad que viene de eso. Si te dedicas por completo a Flagg, tienes la libertad de hacer lo que quieras, pero esa libertad tiene un precio.
Nerds and Beyond: Me interesaba mucho la interpretación de las secuencias de los sueños que la gente tiene con Flagg. Me preguntaba si me hablaría sobre cómo desarrolló ese tipo de espacios desérticos que tienen solo los pequeños indicios de los letreros de neón o las mesas de ruleta y póquer.
Aarón Haye: Eso fue divertido. Y eso fue nuevamente: la madre de la invención, ya sabes, es la necesidad. Habíamos ido y explorado esta área fuera de Las Vegas, y las colinas que miraban hacia abajo y vimos las luces parpadeantes y pensamos que sería ideal. Ya sabes, ese era el paisaje en el que queríamos filmar los sueños, como si las personas fueran transportadas allí en lugar del campo de maíz de Mother Abagail. Están siendo transportados a este espacio entre el desierto, entre el mundo de Flagg y el mundo de Mother Abagail. Y finalmente, nos dimos cuenta de que teníamos que construir esto en el escenario porque no había forma de que pudiéramos hacerlo al aire libre en Canadá, donde estábamos filmando. Y no tendremos suficiente tiempo para filmar esto de la manera que queremos en nuestra ubicación en Nevada.
Así que terminamos llenando un escenario básicamente con rocas. Construimos conjuntos de rocas gigantes y un suelo desértico con piezas que se pueden mover. Ese fue el lienzo en el que tuvimos que trabajar y lo que decidimos desde el principio que queríamos ser muy surrealistas. Y no tenía que ser fotorrealista porque era un sueño. Quería ser un poco raro. Y entonces hablamos de poner un foco teatral, boom.
Entonces, cuando Harold aparece por primera vez allí, boom, lo golpea un foco y es peculiar. Es diferente. Está destinado a ser como un sueño. Y así, cada personaje tenía una pequeña pista de lo que los iba a atraer. Harold, tenía al lobo para guiarlo. En el caso de Larry, fue tentado por el Billboard de Las Vegas y si miras con atención, dice: “ Larry Underwood’s Sold Out” en él, y lo construimos como una especie de riff práctico en el cartel de “Bienvenido a Las Vegas”. Y en el caso del sueño de Nick con la mesa de póquer, me encantó la forma en que salió, porque era un poco amorfo. Y los directores tenían algunas ideas sobre cómo se iba a contar esa historia, y presentamos la idea de las cartas como una forma de contar esa historia. Y si miras mientras voltea esas cartas, cada carta cuenta una historia: obtienes la jota con el ojo sangrando, luego el rey se está tapando los oídos. Entonces puedes contar la historia de Nick con esta rápida pista visual.
Y ese es el tipo de cosas con las que realmente disfruto tratando de trabajar. Trabajando con accesorios y trabajando con los diseñadores gráficos para colar estos maravillosos huevos de Pascua e imágenes ocultas.
Nerds and Beyond: Hablando de huevos de Pascua, noté que hay el resplandor alfombra en un punto del casino. Creo que también hubo un par de otras cosas, como una referencia a Derry, pero ¿cuáles fueron algunos de tus huevos de Pascua favoritos o referencias que plantaste allí?
Aarón Haye: King tiene un cameo que no verás a menos que sepas que está ahí. En el episodio 4, tal vez. Pero una vez que sepas que está ahí, lo verás. Y básicamente ponemos probablemente cada letrero de calle, cada nombre de lugar, cada pieza gráfica, cada botella de cerveza o botella de vino tiene una referencia a algún personaje o mitología de Stephen King.
Esencialmente, poniendo algo tan obvio como el resplandor alfombra por ahí, que pretendía ser una especie de invitación para que todos busquen más. Como “Bueno, si eso está ahí, entonces el universo de Stephen King es holístico y podemos poner lo que queramos del resto de su mundo”. Entonces, ya sabes, es el nombre de la cárcel en la que ves a Lloyd. Está llena de pequeños huevos de Pascua, y espero, espero que la gente los encuentre. Y si no, solo están ahí para nuestro propio placer. Tanto en un proyecto como este, es un objetivo para todo el equipo, nos gusta asegurarnos de que haya más detalles de los que puede ver. Y porque quieres hacer ese mundo tan creíble llenándolo de detalles. Y ese es el tipo de cosas divertidas que tratamos de hacer.
El final de la serie de El soporte se transmite el jueves en CBS All Access.
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