Entrevista: ‘9-1-1: Director de Lone Star’s
El exitoso drama de acción de FOX 9-1-1: Estrella Solitariaque sigue las situaciones de alta presión de los socorristas (a saber, los paramédicos y los bomberos de la Estación 126) en Austin, Texas, ha tenido un comienzo feroz con su segunda temporada.
Nerds and Beyond recientemente tuvo la oportunidad de hablar con Andy Strahorn, 9-1-1: Estrella SolitariaDirector de Fotografía de . Strahorn ha estado en el programa desde el piloto. Antes de unirse a la Estrella solitaria tripulación, fue el director de fotografía de FOX Arma letal series de televisión. Strahorn ha pasado décadas en la industria del cine, y se unió a nosotros para hablar sobre su historia, qué implica exactamente su papel, la temporada 2 de 9-1-1: Estrella Solitariael épico episodio cruzado, cómo la pandemia ha afectado el rodaje del programa y más.
(Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad).
Nerds and Beyond: como director de fotografía, usted juega un papel vital en dar vida a una pieza de televisión o película. ¿Puede dar a nuestros lectores una visión general de las principales facetas de su trabajo?
Andy Strahorn: Básicamente, el Director de Fotografía es una extensión visual de lo que es escribir y la visión del director. Eres realmente la persona que puede llevar todo eso, con suerte, a buen término y a la pantalla. Entonces, ¿qué implica eso? Configurar cámaras y luces e iluminar la escena para que el tono capture el espectáculo, el estado de ánimo, etc. Pero también es reunir a las personas que te rodean de una manera que pueda ayudarte a lograr lo que tienes que hacer. De alguna manera extraña, la antítesis de todos nuestros trabajos en la industria del cine es el dinero. Siempre estamos trabajando bajo el pretexto de “sin tiempo y sin suficiente dinero”. El arte no se puede comprar realmente. Cuando traes eso a la ecuación, es encontrar el equilibrio de cómo haces el programa, la película o lo que sea que estés haciendo, bajo las limitaciones de tiempo, clima, dinero, disponibilidad, ubicaciones, todo eso.
Mi trabajo es algo logístico con respecto al trato con estudios, producción, productores, director. La otra cara de esa moneda, que obviamente es la razón por la que todos lo hacemos, es que es muy creativo y liberador interpretar las palabras en una página. Y luego, ¿cómo interpretas eso con respecto al color, la sombra, la luz y los movimientos de la cámara? ¿Qué le dice eso a la audiencia si selecciona una determinada lente aquí y aísla un personaje del fondo? A diferencia de una lente más ancha, ahora sientes el fondo a su alrededor y sientes el entorno. Puedes decir dos cosas completamente diferentes a una audiencia sin decir una palabra. Es realmente un matrimonio de todo el arte, la ciencia y el dinero. Particularmente ahora en el ámbito digital, a diferencia de la fotoquímica cuando solíamos hacer películas, es una nueva tecnología y trabajar con esa tecnología se está moviendo muy rápido. Los primeros cien años del cine, en realidad solo había seis o siete formatos de película. En los últimos 30 a 40 años de lo digital, probablemente haya de 20 a 25 formatos. Así que te da una idea de que la tecnología avanza muy rápido y casi imita nuestra cultura.
Nerds and Beyond: ¿Puedes contarme un poco sobre tu experiencia en cine y películas y cómo finalmente llegaste a trabajar en 9-1-1: Estrella Solitaria?
Strahorn: Empecé hace mucho tiempo, cuando tenía ocho años en Australia. Crecí en un pequeño pueblo rural a unas ocho horas al oeste de Sydney. Teníamos un cine de una sola pantalla en los años 80. Íbamos al cine de vez en cuando, pero no como hoy. Las películas se proyectaban tres noches a la semana. recuerdo haber visto El imperio Contraataca cuando tenía ocho años y no sabía lo que quería hacer, solo sabía que quería hacer eso. Una vez que terminé la escuela secundaria, mi primer trabajo en la industria del cine fue en el mismo cine que veía. Imperio. 10 años después, conseguí este trabajo como limpiador en ese cine. Así que mi primera incursión en la industria del cine fue como limpiadora, no como PA. Me abrí camino, hice todo eso, y luego me convertí en proyeccionista, y luego me mudé a una ciudad más grande y comencé a abrirme camino en la industria del cine.
En aquel entonces, en Australia, comenzaste en el departamento de cámaras como operador de un estudio de video, y te abriste camino hasta AC y luego DP. En el camino, conoces gente, te arriesgas y filmas cosas gratis solo por la pura pasión y el amor que sientes por el cine. Tienes 25 años y dices: “Oye, trabajaré gratis”. Luego, tuve la suerte y la suerte de que una película que filmamos [when I was 30] estaba con un montón de compañeros que fueron directores comerciales de éxito, al menos en Estados Unidos. Y luego decidí subirme a un avión y venir y no mirar atrás. Tengo mucho que deber con respecto a crecer en Australia y tener esa mentalidad de, “Bueno, tienes que seguir adelante. Así que si ahí es donde tienes que ir, ahí es donde tienes que ir”. Simplemente recoge, toma una maleta, se detiene en Los Ángeles y dice: “Bueno, ¿qué hago ahora?” Simplemente haz tu camino y conoce gente. Así es básicamente como llegué aquí, y comencé con mucho trabajo comercial en Australia.
En los últimos 10 a 15 años, la transmisión y los episodios son realmente una incursión interesante ahora en el cine. En los últimos cinco años, realmente comencé a disfrutar filmar episodios debido a la naturaleza: estás contando una historia cada 10 u 11 días. Había algo liberador en eso, y realmente lo disfruté. Obtuve mi oportunidad en un programa en Warner Brothers. Y he aquí que debido a ese programa que había filmado, que estaba muy orientado a la acción, me presentaron a los productores y al creador de Estrella solitaria. Tuvimos una reunión y empezamos muy bien, y el resto es historia.
Empollones y más allá: ¿Cómo suele ser su proceso de preparación para un episodio de Estrella solitaria? ¿Quiénes son las personas clave en el set con las que haces tu planificación?
Strahorn: Cuando estás replicando rescates y demás, eso se convierte en este matrimonio realmente finito de logística pura mezclada con creatividad. Se trata de acrobacias, SFX (ofrecen de todo, desde humo, fuego, explosiones… lo que sea, lo hacen), y luego, obviamente, la seguridad, las ubicaciones. Todos estos jefes de departamento entran en juego. Gran parte del proceso es simplemente sentarse y escuchar a cada departamento hablar sobre cuál será su contribución al programa y a la escena en cuestión. Casi te conviertes en un cocinero una vez que todos esos ingredientes están en el tazón.
Lo único que encuentro realmente interesante sobre la preparación es simplemente escuchar a otras personas y escuchar sus opiniones y puntos de vista sobre lo que están trayendo a la mesa. No todos pensamos lo mismo, por lo que a veces es realmente esclarecedor escuchar la opinión diferente de alguna persona. Y luego, “Está bien, ¿cómo puedo usar eso?” o, “¿Cómo puedo embellecer eso?” Esa es una parte muy divertida, ver a todos estos otros cineastas contribuir. Tengo mi punto de vista sobre el color, el tono y el estado de ánimo, y todo eso. Luego escucho a la gente decir: “Oye, esto es lo que estoy pensando, ¿podemos hacer esto o podemos hacer aquello?” Por lo tanto, se trata de muchas ideas que rebotan entre sí, todas caminando en la misma dirección para tratar de lograr los mejores resultados, por así decirlo.
Empollones y más allá: ¿Cuáles han sido algunas de tus escenas de emergencia favoritas para crear y filmar para el programa? Y, si tuviera que elegir uno, ¿cuál fue el más desafiante?
Strahorn: Uno de mis favoritos fue… lo acabamos de emitir recientemente para esta temporada, y fue un episodio de incendios forestales. Eso fue muy divertido. En parte porque, desde el punto de vista logístico, era una escala tan grande de: cómo se crea drama y peligro inminente justo fuera de cámara con respecto a ciertos bomberos a ciertas distancias de la línea, y qué nivel de intensidad de peligro hay, de atmósfera, de la pisada física? Y cómo crear y poner todo eso en la mezcla.
Creo que, logísticamente, probablemente el mayor desafío fue el primero que hicimos, que fue el piloto. Teníamos una fábrica de fertilizantes que estaba vacía y estaba en París, California. Era enorme. No había poder. Era una instalación abandonada, entramos y pusimos energía en la situación. Era casi un cuarto de milla cuadrada lo que necesitábamos encender. Eso fue directamente desde el principio y pensé: “Guau, este espectáculo va a ser grande. Este es solo el piloto? ¿Qué pasa después? Ese fue probablemente uno de mis más queridos, porque fue como si fuera el bautismo de, “Este es el espectáculo.” Lo logramos de manera segura, nadie resultó herido ni nada por el estilo, pero solo creamos la atmósfera de una explosión masiva que tuvo lugar. Pensé que salió muy bien. Estoy muy orgulloso de eso.
Empollones y más allá: Hablando de algunas de estas salvajes llamadas al 9-1-1 y emergencias, ¿hay algún proceso que vaya ¿Detrás de escena con ustedes, los directores, los escritores, donde tienen que determinar la viabilidad de crear y filmar estas emergencias?
Strahorn: Tengo entendido que muchas de las llamadas que ingresan, las que fotografiamos, se basan en escenarios de la vida real de las llamadas que se realizan. Cuando miramos eso y lo llevamos a la pantalla, existe la posibilidad de decir: “Bueno, ¿cómo hacemos esto? ¿Cómo lo fotografiamos? Número uno. Y número dos, ¿es asequible hacer eso en los horarios que tenemos? Tenemos algunos productores creativos realmente talentosos que nos guían para saber: “Sí, existe la posibilidad de que podamos hacer esto en el tiempo, de la forma en que queremos fotografiarlo, o no podemos”.
En términos generales, que yo sepa, no ha habido algo que no hayamos hecho que el creador haya querido. Tengo mucha suerte de estar rodeado de muchos pensadores laterales creativos que pueden pensar muy rápido sobre sus pies, que nos permiten a todos brillar. Realmente hay un sentido de camaradería y trabajo en equipo con respecto a, “Sí, hagamos esto. Esto suena un poco diferente, ¿cómo hacemos esto?”
Empollones y más allá: Volviendo al crossover, que por cierto fue excelente, fue bastante diferente de un episodio normal de Estrella solitaria con la ubicación, el incendio forestal. ¿Puedes ampliar un poco más el proceso de filmación? Especialmente porque tienes la mina, el helicóptero… están pasando muchas cosas.
Strahorn: Fue muy divertido trabajar con esos actores del original. 9-1-1. Fueron un gran activo al ingresar a nuestro programa y fueron muy elogiosos y personas absolutamente agradables para estar allí y trabajar a lo largo del 126. Debido a que están filmando su propio programa, que es exigente en sí mismo, no tuve la oportunidad. conocer a cualquiera de los actores hasta que entraron directamente al set. Tenía sus disparos en la cabeza para disparar y todo eso. Eso es a veces parte de mi proceso, mirar las fotos de rostros y luego tratar de ver tantas fotos como sea posible de los actores, en cualquier programa que hago. Empiezas a ver, desde el punto de vista de la cámara, “Está bien, si quiero que se vean atractivos… si quiero que se vean robustos… si quiero que se vean feroces”. Puedes comenzar a decir mirándolos a la cara: “Está bien, esta iluminación funcionará muy bien aquí y esto funcionará allí”. Cada actor, la cara de todos, cualquiera que salte frente a la cámara, es diferente a los demás. Eso fue interesante, aprender sus rostros antes de que entraran al set.
Una vez que nos metemos en el fuego y empiezas a meterte en las cosas del helicóptero, eres casi como un conductor, trabajando con los asistentes de dirección y el director, y manejando varias unidades simultáneamente. Entonces, en ese momento, casi se vuelve como un ejercicio militar. Mientras estamos en tierra, y el helicóptero no ha arrancado, estamos recorriendo dónde estarán ciertos operadores de cámara, dónde estarán con qué talento y qué otras tomas. Tuvimos guiones gráficos para algunas de estas grandes escenas. Los operadores sabían lo que necesitaban para basarse en los guiones gráficos. En ese momento, estoy coordinando con las exposiciones y demás, de forma remota, y tenemos varias cámaras en el suelo en diferentes áreas con diferentes actores en diferentes lugares. Luego tuvimos cámaras en el aire de un helicóptero a otro, y cámaras sobre dobles de riesgo que volaban el helicóptero héroe real. Se coordinó mucho en el terreno y se habló de ello para que todos supieran de manera muy concisa, una vez que el helicóptero subiera, dónde estaríamos. En lugar de eso, lo más importante también son los efectos. Al mismo tiempo, hablo a través de los asistentes de dirección con respecto a los artistas de efectos: cuánto humo, dónde necesito el humo para crear la ilusión de un incendio forestal que se mejoraría con efectos visuales. Hay mucho de eso sucediendo al mismo tiempo.
Creo que una vez que estás en esas situaciones, solo la experiencia puede tomar el control en ese punto, saber dónde poner tu energía en un momento dado para capturar lo que estás fotografiando. Una vez que esos helicópteros están en el aire, es una cantidad finita de tiempo que estarás en el aire. Es un proceso muy costoso, y tienes que conseguir todo lo que necesitas. Eso en sí mismo fue donde la experiencia toma el control, porque también estás lidiando con mucha seguridad con los helicópteros. Hay mucho de… ser muy claro con la gente, saber dónde van a estar y qué están haciendo, coordinar con otros jefes de departamento (como efectos especiales) con respecto a lo que necesito, dónde lo necesito, porque en realidad solo estamos en el aire durante probablemente 20 a 25 minutos. Eso es una gran cantidad de imágenes capturadas en un corto período de tiempo. Es un subidón de adrenalina, es emocionante, pero al mismo tiempo hay un poco de nervios porque hay mucho dinero en juego. Todos tienen que dar un paso al frente y obtener lo que necesitan obtener. Particularmente en ese episodio, es en gran medida un pico costoso del acto que necesitas esa naturaleza grandiosa que simplemente no puedes obtener desde el nivel del suelo. Puedes hasta cierto punto, pero una vez que comienzas a volar y por encima de los árboles y todo lo demás, ahí es cuando realmente tienes una idea de la escala. Era imperativo que todo eso tuviera éxito para que el programa y el episodio tuvieran un sentido de escala para la naturaleza de lo que luchaban los personajes.
Empollones y más allá: Hablando del original 9-1-1 y luego Estrella solitaria, ambos tienen una sensación de cohesión como dos programas relacionados, pero también tienen sus propias apariencias distintas, especialmente considerando que sus ubicaciones ficticias se encuentran en diferentes estados. ¿Puedes hablar sobre cómo preparaste la apariencia específicamente para Estrella solitaria?
Strahorn: Obviamente, el otro programa tiene su propio éxito, y estamos aquí por eso. Hubo un gran reconocimiento de que el éxito de ese programa se sostiene sobre sus propios pies. Cuando comenzamos esto, siempre supimos que el proceso de salir y hacer la segunda parte lo haría muy efímero, porque no se puede vencer al original. Entonces, ¿por qué intentar replicarlo? Tienes que tomar la idea y luego decir: “Vamos a pararnos sobre nuestros propios pies. Vamos a ser lo nuestro”.
Siendo Austin, Texas, sentí que debería haber este tipo de gran dureza. El aspecto ha evolucionado a lo largo de la temporada 1 y en la temporada 2, donde tiene este tipo de calidez, pero diría un tono más cobrizo, que es muy sutil para los exteriores de día. Eso (para mí, cuando pienso en Texas) es calor, sequedad. Texas realmente me recuerda mucho a Australia y el Outback, para ser honesto. Luego, por la noche, tenemos la otra cara de esa moneda, que es casi como esta sensación de acero frío. Tomamos este camino donde, para abrazar el clima y todo eso, teníamos este aspecto de desvío de lejía muy sutil. Tenía un contraste elevado. Todo se basó en lo que presentó a nuestro actor principal en la mejor luz de una manera robusta.
Cuando hicimos pruebas de cámara y pruebas de vestuario al comienzo del piloto, eso es lo que exploramos y seguimos ese camino. Ahora, desde el episodio 1 al 10 de la temporada 1, eso se ha desarrollado e incluso ha evolucionado más. Creo que eso es natural para cualquier programa. Cuanto más empieces a aprender el entorno, los personajes y todo eso, naturalmente habrá una evolución en cualquier cosa. Desde mi punto de vista, eso le da una diferencia muy clara de Los Ángeles. 9-1-1 de una manera que aún rinde homenaje al homónimo de los socorristas y todo lo demás. Pero es un poco más valiente con el uso del color. Creo que, en sí mismo, solo miras los dos programas y sabes que esto no está replicando el éxito de 9-1-1, es cosa propia. Eso fue muy importante cuando comenzamos este viaje.
Empollones y más allá: ¿Cuál era tu plan para la temporada 2? ¿Tenías algún objetivo específico o algo así?
Strahorn: Me encanta ver lo que sucede en nuestros procesos. Tomamos las fotografías del día y, por lo general, a las 4 o 5 a. m. recibimos imágenes fijas y diarias. Debido a la demanda de nuestros horarios de rodaje, no puedo ver los diarios con tanta frecuencia cuando me gustaría. Pero veo imágenes fijas del día anterior que se capturan de la transferencia. Es bueno decir: “Oye, eso estuvo genial, me gustó arriesgarme ayer, ahora quiero hacerlo mejor”. Entonces, al entrar en la temporada 2, realmente disfruto explorando, “¿Cómo seguimos ajustando los escenarios, las ubicaciones, los rescates, las pequeñas cosas? ¿Cómo realzamos la realidad? ¿Cómo hacemos que se vean más resistentes aquí? ¿Cómo hacemos que se vean más suaves en este contenido emocional para esta escena con sus seres queridos en casa? Estoy disfrutando todo eso, donde tienes que aprender las caras de estas personas y sus personajes. Cuanto más aprendas y sepas, más podrás obtener profundizar más con la iluminación para reflejar dónde se encuentran emocionalmente en un momento dado.
Cuando entro en cada día, tendrás lo que se llama lados: solo verás las escenas que estás filmando ese día. Mientras los leemos, siempre doy un vistazo rápido y actualizo lo que estoy fotografiando. Aparte de toda la logística y la planificación, por lo general mi pequeña cosa que hago personalmente es mirar esa escena y pensar en una palabra. Eso es a lo que sigo volviendo, y esa es mi ancla sobre cómo iluminar la escena. ¿Se siente ‘esta palabra’? ¿Ponderado? ¿Deprimente? ¿Tristeza? ¿Felicidad? ¿Elación? ¿Heroico? Esa es mi pequeña cosa que sigo recordándome a mí mismo que me mantiene honesto a medida que avanzo en cada escena. Es un ambiente tan fluido, eso es lo que me mantiene pensando en cuanto a mi enfoque. Una vez que te involucras, la iluminación para mí es puramente instintiva. Simplemente lo sientes. Si realmente lo desglosas, la única respuesta verdadera que puedo dar es que se siente bien. Se siente apropiado. Eso es lo que me rige cuando enciendo, y me gusta explorar eso más profundamente en una temporada, como la temporada 2, en lugar de la temporada 1. Porque estás empezando a llegar a diferentes capas de cada personaje e historia. Y sus relaciones entre sí. Eso es muy divertido cuando empiezas a rascar esas superficies. Empiezas a comprender realmente a las personas que estás fotografiando, y qué significa eso, y cómo lo traduces solo a través de imágenes.
Empollones y más allá: ¿Cómo han cambiado y afectado las reglas y regulaciones de filmación relacionadas con COVID en su trabajo en el set de Lone Star para la temporada 2?
Strahorn: Creo que COVID ha afectado la vida de todos en cualquier parte del mundo. En primer lugar, me siento bendecido por tener la suerte de trabajar. Esa oportunidad no se desperdicia en mí personalmente. Lo que significa para nosotros es que, de acuerdo con los acuerdos de seguridad y tratando de mantener a todos seguros tanto como sea posible, se limitan las horas en que podemos estar cerca y fotografiar. Hay un tipo diferente de presión que se ejerce sin más motivo que la seguridad y, obviamente, la seguridad es primordial. Perder un par de horas al día a causa de eso, obliga a una economía en su forma de pensar. Lo que realmente admiro del equipo, y no quiero hablar de generalizaciones de los equipos de filmación, pero somos tan adaptables a las ubicaciones, el clima y el tiempo: podrías estar filmando a las 6 am, podrías estar filmando a las 2 am, podrías estar disparando a medianoche. Ver lo rápido que podíamos adaptarnos a las máscaras, los protectores faciales, el distanciamiento, las personas limitadas en un área designada y hacer todo eso, y luego seguir haciendo el programa al mismo nivel, si no más alto, es realmente algo interesante. Fue una adaptación las primeras semanas, sin duda, porque era algo que ninguno de nosotros había encontrado antes. Pero todos nos adaptamos muy rápido.
Hay muchas cosas buenas que han salido de esto. Los días de trabajo más cortos han sido buenos. Simplemente significa que corres mucho más, pero vas a casa y la gente tiene una vida con su familia. Ejerce más presión sobre los directores de fotografía y los jefes de departamento debido al tiempo limitado en comparación con antes de COVID. Definitivamente hay un límite de tiempo, y lo que viene con eso es el tiempo para ejecutar pero también para planificar. Así que todo es algo acelerado. Simplemente significa que hemos tenido que ajustarnos y adaptarnos. Pero ahora que lo hemos hecho desde septiembre, todos estamos tan acostumbrados que parecería algo lujoso si alguna vez volviéramos a filmar antes de COVID. Se sentiría como si tuviéramos todo el tiempo del mundo. Trabajo con la adrenalina, de alguna manera extraña, ese es mi lugar feliz. Es solo un día normal para mí. Nos ha obligado a un enfoque algo más conciso, dado que no tenemos el tiempo que teníamos antes. Definitivamente es una expedición de filtración creativa del enfoque de cada episodio, cada escena, cada toma. Hay capas de tareas múltiples que se llevan a cabo en un momento dado. Mientras disparo y observo, tengo operadores que realizan la toma actual y observo el color en la estación DIT, observo las exposiciones. Estoy hablando con mis muchachos con respecto al próximo tiro, y luego cuál es el próximo tiro después de ese, y ya estoy encendiendo en mi cabeza. De alguna manera, tienes que trabajar en varias capas, y creo que eso es para cualquier camarógrafo antes de COVID. Pero ahora es un poco más apretado. Fuerza esa economía, por así decirlo.
Nerds and Beyond: Finalmente, de todos los programas y películas en los que has trabajado a lo largo de los años, ¿hay algún proyecto o escena en particular del que estés más orgulloso o que te haya quedado grabado?
Strahorn: Es tan difícil, sería como pedirle a alguien que elija a su hijo favorito. Aunque mi mamá siempre dijo que yo era su hijo favorito, estoy seguro de que también se lo dijo a mi hermano y hermana. Hay diferentes vidas por diferentes razones. He tenido la suerte de hacer policías y dramas de policías amigos como Arma letal. Las películas fueron una impresión tan indeleble en mí mientras crecía, así que fue genial. me atrajo Estrella solitaria porque me encantó contracorriente y bomberos. Hay algo realmente sorprendente en los socorristas, el desinterés. Simplemente se siente como algo convincente a lo que quieres hacer justicia.
Tuve la fortuna de rodar un piloto en Nueva Zelanda hace aproximadamente un año y medio para Disney/ABC. Desafortunadamente, no fue recogido, pero era muy ambicioso. Estuvimos allí durante ocho semanas. Lo único que me encanta de esta carrera es que nos lleva a los rincones del mundo y ves amaneceres y atardeceres por los que la gente paga mucho dinero. Y tengo la suerte de poder ver eso (o sea, rodeado por un montón de ovejas en un potrero en Nueva Zelanda). Pero pude ver eso, y al mismo tiempo fotografiar algo que me apasionaba mucho, esta historia que hicimos sobre el Triángulo de las Bermudas. Fue como, “Wow, esto es increíble. ¿Alguna vez vendría a esta parte del mundo si no estuviera filmando aquí? Esa es una de las cosas que me encantan de todas y cada una de las veces que he filmado en todo Estados Unidos, Australia, Nueva Zelanda, América Central. Poder tener esas oportunidades de ver amaneceres, puestas de sol, gente, cultura, la forma en que la luz se ve diferente en el interior de Australia en comparación con la costa oeste de los Estados Unidos.
Para mí, son las cosas simples. Eso ha sido muy agradable, por lo que es muy difícil definir, “¿Qué es esa cosa?” Se involucra mucho con respecto a las personas con las que trabajas, el clima, la ubicación. Al igual que en la ejecución real de una película, hay muchas cosas que intervienen en la construcción de un recuerdo. Hay muchos amigos que he conocido en todo el mundo a los que tengo cariño, y es muy difícil elegir quién, de esas personas, fue responsable de esa impresión indeleble. Es todo igual. Es una buena pregunta, simplemente me resulta difícil discernir realmente a cuál amo más que a la mayoría. Estás aprendiendo diferentes cosas en diferentes momentos de tu vida; todos han sido bastante asombrosos. Cuando comencé este viaje, tenía ocho años en el Outback. Para mí, las películas eran algo que… ibas a la tienda de videos y compraste una cinta VHS. No fue algo que saliste y hizo. Entonces, hay un enfoque muy humilde de “Wow, esto es genial, puedo hacer esto”, y hace varias décadas estaba pensando: “¿Cómo diablos llego allí?”
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